La pareja ha celebrado en Provenza un nuevo enlace tras haberse casado por lo civil el 1 de junio en Mónaco.
Los novios en su segunda boda, religiosa, este domingo en Francia.Felix Dol-Maillot (Palais Princier)
Hace un mes se dieron el sí por lo civil y este domingo ha sido por lo religioso. Carlota Casiraghi, de 32 años e hija menor de la princesaCarolina, ha renovado sus votos con su marido el cineastra francés Dimitri Rassam, de 37, hijo a su vez de la actrizCarole Bouquet en
una ceremonia celebrada en una abadía de la localidad francesa de
Saint-Rémy-de-Provence, a medio camino entre las ciudades de Aviñón y de
Arlés, según recoge la revista ¡Hola! En las imágenes, difundidas por el palacio real monegasco, los
contrayentes han escogido el color blanco. Carlota se ha casado con un
sencillo ramo de espigas y flores de lavanda, típicas de la región de
Provenza. En esta misma fecha, hace 41 años, contrajo matrimonio Carolina de Mónaco con su primer marido, Philippe Junot.
La pareja, tras celebrar el enlace.Felix Dol-MaillotPalais Princier
¡Hola! publica que los invitados han recibido instrucciones
para ir vestidos también de blanco y recuerda que la localidad tiene un
especial significado para Carlota, porque fue el lugar donde residió
junto a su madre y hermanos tras morir en 1990 su padre, Stefano Casiraghi, aún
siendo niña. Al igual que su esposa, Dimitri es huérfano. Perdió de
niño a su padre, el productor de cine Jean-Pierre Rassam, que se suicidó
en 1985, a los 43 años, por una sobredosis de barbitúricos.
La pareja se casó por lo civil el pasado día 1 de junio en Mónaco,
tras llevar saliendo unos dos años y medio. En el verano de 2017 se les
empezó a ver juntos en varios actos en Mónaco y al año siguiente en el
Baile de la Rosa en marzo, donde quedó oficializado su compromiso. Siete
meses más tarde nació su hijo Balthazar. Uno y otro aportan hijos de
anteriores relaciones al matrimonio: ella, a Raphaël, que tuvo con el
actor francomarroquí Gad Elmaleh; él a Darya, a la que tuvo con la
modelo rusa Masha Novoselova.
Además de ser un adictivo entretenimiento para millones de lectores, las
novelas del autor japonés permiten extraer claves para vivir mejor.
POCOS ESCRITORES como Haruki Murakami
han gozado de un éxito tan continuado en las librerías de nuestro país,
y que sea un autor japonés lo hace aún más notable. ¿Qué tiene el autor
de Tokio Blues
para conectar de forma tan extraordinaria con un público a 10.000
kilómetros de los escenarios e historias que describe? Algunos críticos
literarios afirman que su éxito reside en que es narrativa japonesa para
occidentales, motivo por el que Murakami tiene muchos detractores en su
propio país. Otros apuntan a que sus tramas suelen ser sencillas y con
pocos personajes, con el grado justo de misterio y giros narrativos. Es
muy improbable que alguien se pierda en sus novelas. Sin embargo, eso no basta para explicar el furor que causan entre
nosotros sus historias, llenas de extraños acontecimientos, golpes del
azar, amantes inesperados, música clásica —o jazz— y algún que otro
gato. ¿No será que Murakami está plasmando desde su particular mirada
nuestra vida actual? Veamos de qué manera, entonces, su lectura nos
enseña a vivir: 1. La soledad es la mejor vía al conocimiento. En más de una novela
de Murakami, el protagonista emprende un viaje en solitario para escapar
de la confusión vital. En el caso del joven fugitivo de Kafka en la orilla,
eso le permitirá acceder a aspectos desconocidos de sí mismo. Cuando
nos vemos enfrentados a la soledad tras una separación o muerte, o
cuando la buscamos a través de un viaje iniciático, afloran partes de
nosotros que antes estaban soterradas. Sin la protección y el ruido de
los demás, el encuentro con uno mismo es inevitable, con lo que damos un
salto hacia adelante en nuestra propia evolución.
2. El mundo es imprevisible. La segunda lección vital que extraemos
de sus novelas es que la vida siempre nos sorprende. Por lo tanto, es
absurdo tratar de controlarla o angustiarnos ante posibles amenazas. En
la última novela de Murakami, la extensa La muerte del comendador,
un pintor de vida estable y acomodada recibe la noticia de que su mujer
quiere separarse porque ha tenido un sueño que la empuja a tomar esa
decisión. Cuando el pintor le pregunta de qué iba ese sueño, ella le
dice que es algo demasiado personal . Si solo podemos esperar lo
inesperado, es inútil hacer predicciones.
Y eso puede ser un gran calmante para la mente. En cuanto a los porqués que pueden surgir para torturarnos, eso nos lleva a la siguiente lección.
3. No busques un sentido. Los argumentos de Murakami se desarrollan
en un mundo de caos y aleatoriedad. Muchas veces ni siquiera es posible
culpar a nadie del sufrimiento, lo cual es una buena noticia. Tal como
decía Viktor Frankl, el ser humano va en busca de sentido,
pero gran parte de las cosas que nos suceden no lo tienen. Como en las
novelas del autor japonés, muchas veces sentiremos que nuestra vida es
un sueño donde las cosas suceden sin razón aparente. Podemos afrontar
este hecho con dos actitudes opuestas: podemos lamentarnos de lo injusto
o absurdo que es el mundo o bien surfear las olas que nos trae la
existencia. De eso va la cuarta lección. 4. Si sobrevives al caos, ya has ganado. Dado que afrontamos solos
muchos lances de nuestra existencia, si sabemos además que todo es
imprevisible y que las cosas no tienen por qué tener un sentido, tal vez
el arte de vivir
sea salir lo mejor librados posible. Venimos al mundo a experimentar
cosas, a tropezar y a resolver problemas, como hacen los personajes de
Murakami. El premio es seguir adelante en la partida.
5. El orgullo y el miedo nos quitan lo mejor de la vida. En su ensayo De qué hablo cuando hablo de escribir, Murakami menciona una anécdota tan mágica como triste. Al parecer, en 1922 James Joyce y Marcel Proust
coincidieron en un mismo restaurante de París, donde cenaron en mesas
cercanas. Los comensales que los reconocieron estaban emocionados,
esperando que aquellos gigantes de la literatura empezaran a debatir. Nada sucedió. En palabras del japonés: “La velada tocó a su fin sin que
ninguno de los dos se dignase dirigir la palabra al otro. Imagino que
fue el orgullo lo que frustró una simple charla, y eso es algo muy
frecuente”. ¿Cuántas veces nos hemos perdido una oportunidad, personal o
profesional, por no haber dado el paso? Se trate de orgullo, como
interpreta Murakami, o de miedo a ser rechazados, al contenernos tal vez
dejemos la más bella página de nuestra historia por escribir.
En busca de la ternura perdida
— Tal y como comenta Carme García Gomila en un ensayo para Temas de Psicoanálisis, la soledad de los personajes de Murakami va más allá de las “relaciones líquidas”, el concepto del sociólogo Zygmunt Bauman para explicar el fin de los vínculos “para toda la vida” en un mundo en el que el amor se ha vuelto provisional y precario. —
Según García Gomila, bajo la rigidez de la sociedad japonesa late una
ternura etérea, casi indetectable, pues está largamente reprimida en el
alma japonesa y tal vez actualmente en la occidental. Las peripecias de
los personajes de Murakami, en ese sentido, son una búsqueda
desesperada de esa ternura que, con suerte, algún día tuvieron —quizás a
través de su madre— y que se oculta dormida en el fondo de su alma.
Francesc Miralles es escritor y periodista experto en psicología.
La misma mirada dominante. Pero, donde Inocencio X revelaba sospecha y desconfianza, Olimpia Maidalchini Pamphili transmitía la curiosidad inteligente de la mujer que concentró más poder en la Roma del siglo XVII. El
retrato de la cuñada (y, según algunas versiones, amante) de aquel
Papa, encargado por ella misma a Diego de Velázquez durante su segunda
visita a Italia, de 1649 a 1650, sale a subasta este miércoles en la galería londinense de Sotheby’s,
con un precio inicial estimado de entre dos y tres millones de euros. El último rastro registrado de la obra se remonta a 1724 y, desde
entonces, se perdió la pista de su paradero, hasta el punto de llevar a
los expertos a la conclusión de que había podido ser destruida. En los ochenta, resurgió en el mercado de arte holandés, catalogado
como un anónimo de la Escuela Holandesa. Como tal fue entregado para subasta a Sotheby’s
de Ámsterdam, donde las inscripciones cifradas en el reverso del lienzo
llevaron a los expertos a sospechar que se trataba del retrato perdido. Un largo proceso investigador y de certificación llevó a la conclusión
de que la obra había salido de los pinceles de Velázquez. La figura de Olimpia Pamphili despertaba admiración y odio en su
época. Influía en la política exterior del Vaticano, encumbraba o
destronaba a los poderosos y participaba en cada una de las decisiones
de Inocencio X.
Las admiradoras
“Muchos de los cardenales estaban horrorizados con ella. La llamaban
‘puta’ abiertamente y eran conscientes de que compartía el lecho con
Inocencio X. Pero las mujeres la adoraban. Tuvo admiradoras que llegaban
a Roma desde todo el orbe católico y se apostaban a las puertas de su
palacio, en Piazza Navona, para aclamarla cada vez que pasaba con su
carruaje”, contaba esta semana a la BBC Eleanor Herman, escritora e
historiadora estadounidense, autora del libro Mistress of The Vatican (La Amante del Vaticano). El día en que Giambattista Pamphili fue proclamado Papa, se dice que
otro cardenal rival sentenció: “Acabamos de elegir a una Papisa”. Y las
calles de Roma se llenaron de panfletos y carteles vejatorios que se
referían a ella como “Papisa Olimpia I”.
“Poco a poco, las piezas del rompecabezas fueron encajando. Todo el
que la veía estaba maravillado con esta obra, que se consideró perdida
durante mucho tiempo, incluso destruida, y que ha acabado resurgiendo de
sus cenizas”, explica James Macdonald, el especialista de Sotheby’s en
la pintura de los Antiguos Maestros. Aunque el retrato pueda ser adquirido por un particular, la previsión es que se acabe haciendo con él algún museo importante. Fue una mujer poderosa, que según Herman nunca se llegó a recuperar
del intento de su padre de enclaustrarla en un convento y se conjuró
para evitar el resto de su vida sufrir el encierro bajo la tiranía de
los hombres. Se desvelaba por la suerte de las monjas y de las
prostitutas de una Roma plagada en esa época de intrigas y corrupción. Y
los pintores y escultores buscaban su apoyo y mecenazgo. El Papa que sucedió a Inocencio X, Fabio Chigi, quien pasó a ser
Alejandro VII, tenía fama de incorruptible durante su mandato como
Secretario de Estado y aborrecía a Olimpia. Ordenó una investigación
para sacar a la luz todas las corruptelas y usurpaciones de la “Papisa”
de las joyas del Vaticano. Enviada al exilio, no pudo hacer frente a
todas las acusaciones que se prepararon contra ella. La peste bubónica,
que azotaba Roma, la alcanzó en su palacio de las afueras a través de la
picadura de un mosquito. Abandonada por una servidumbre aterrorizada, Olimpia murió en soledad el 26 de septiembre de 1657, a los 66 años.
La trayectoria oculta de una obra maestra
El cuadro de Olimpia Pamphili, pintado por Velázquez en la misma
época de apogeo en la que realizó una obra cumbre como el retrato de
Inocencio X, pasó por varias manos privadas hasta que se le perdió el
rastro. El nieto de la “Papisa”, el cardenal Camillo Massimi, fue su
primer propietario. Posteriormente, fue adquirido por Gaspar Méndez de
Haro y Guzmán, séptimo Marqués del Carpio, que llegó a acumular una
colección de hasta 1.800 obras de arte, incluidos seis cuadros de
Velázquez.
Fotografía de Cordon PressUN POLLO DECAPITADO fuera de contexto es como el urinario de Duchamp. Podría ser arte, signifique lo que signifique esta palabra, arte. A
veces basta cambiar las cosas de sitio para producirlo. Pero resulta
complicado. Lautréamont decía que el surrealismo era el encuentro
fortuito de una máquina de coser y un paraguas sobre una mesa de
operaciones. Ahora bien, hay que darle un par de vueltas al asunto para
que se te ocurra un bodegón tan pertinente. En todo caso, el pollo de la
imagen produce cierta turbación, no sabríamos decir si de orden
estético o antiestético. Alguien lo ha colocado en el banquillo de un equipo de baloncesto,
suponemos que para ofender al rival, como para señalar que sus
jugadores se mueven por el campo como un conjunto de pollos sin cabeza. El significado es fundamental. Casi todas las acciones del ser humano lo
tienen o procuran tenerlo. Pero con independencia del significado
concreto que se le pretendiera dar el día en el que se celebró el
encuentro, para usted y para mí adquiere, al contemplarlo fuera de su
lugar natural (la carnicería), un sentido escatológico, un sentido
final, un sentido, si me permiten la hipérbole,
un poco apocalíptico. Toda esa carnalidad desnuda, concentrada,
yacente, ese color enfermizo de la piel, esas magulladuras o hematomas,
nos llenan de piedad por el animal y por nosotros mismos. Me pregunto
qué fue del pobre pollo una vez cumplida su función semántica. Tal vez
el mismo que se la otorgó lo devolvió luego a su papel alimenticio y se
lo comió en compañía de su esposa e hijos. Dios nos ampare.
Nos ayuda a sobrevivir, nos pone en alerta, nos prepara para la lucha o
la huida. Pero también puede ser una trampa insalvable, una tortura.
HE RECIBIDO la carta de una lectora, X, que me habla de la
precariedad emocional en la que vive. “Estoy bien, tranquila, normal, y
entonces una mala noticia, la enfermedad de un amigo o una reprimenda de
mi jefe hacen que me hunda, que me sienta pequeña y llena de angustia”. Sí, lo entiendo. Es la fragilidad y la indefensión de nuestras vidas,
emergiendo de pronto desde los abismos. Pocos sentimientos debe de haber
tan compartidos universalmente como el miedo. ¿Quién no ha sentido temor en algún momento? El miedo nos ayuda a
sobrevivir; nos pone en alerta, galvaniza nuestro cuerpo con torrentes
de adrenalina y nos prepara para la lucha o la huida. Pero también puede
ser una trampa insalvable, una jaula imaginaria, una tortura.
No nos llevamos nada bien con nuestro miedo. La sociedad lo considera
una debilidad, y al cobarde, un oprobio, sobre todo si se trata de un
varón. Pobres hombres atrapados (ellos también) en la dictadura del
sexismo, que les obliga a mostrar una bravura legendaria. De niña vi Las cuatro plumas,
una película que me resultó aterradora. Un joven oficial británico se
da de baja cuando envían a su batallón a combatir al sangriento Sudán. Entonces su padre lo repudia y, lo que es aún peor, recibe cuatro plumas
blancas, el símbolo infamante de la cobardía, de mano de sus tres
amigos más íntimos y, no se lo pierdan, de su feroz novia. Yo no acababa
de entender por qué una pluma blanca podía ser tan terrible, pero me
espantó el dolor de su absoluta humillación. Espoleado por el desprecio
de sus más queridos, nuestro amigo se marcha a Sudán
en condiciones aún más peligrosas. No recuerdo el final, pero seguro
que termina convertido en héroe y casado con la espantosa de su novia.
Si me impresionó tanto aquella película creo que fue porque siempre
he sido muy cobardica. ¿Pero acaso es tan vergonzoso sentir miedo?
Siempre he creído que las personas con más imaginación somos más
miedosas, porque inmediatamente se nos representan todas las catástrofes
posibles en la pantalla de nuestro cerebro. Por otro lado, hay que
diferenciar entre el miedo físico (a que te asalten o te maten) y el
miedo emocional (a comprometerse, por ejemplo). En este último registro
creo que soy más valerosa. Algo es algo, me digo.
Pero no es suficiente. Me consta, por la carta de X, por mi propia
experiencia y porque lo he visto infinidad de veces en otras personas,
que, para muchos de nosotros, el miedo es un enemigo íntimo con quien
compartimos la existencia. Un miedo irracional, obsesivo, neurótico, que
en realidad se origina en los verdaderos terrores del vivir, pero que
nosotros colocamos en otro lado. Porque es cierto que la vida es frágil;
que en cualquier momento puede ocurrirte una desgracia;
que no controlamos nuestra realidad aunque creamos que sí; que al final
nos morimos. Pero, cuando nos muerde el miedo, no suele ser por estos
motivos de sobrado peso, sino por locuritas. Miedo a quedar mal. A que
no te quieran. A hacer el ridículo. Miedo a que se demuestre que no
vales lo suficiente, que no sabes, que no sirves, que eres una impostora
(ay, el estúpido síndrome del impostor, padecido mayoritariamente por mujeres). Miedo a que te odien, exacerbado por la ponzoña de las redes. Pero
también: a que te despidan, a que tu pareja te abandone, a que tu hijo
se drogue. Y sí, resulta que a veces te despiden, y tu pareja te deja, y
a tu hijo le suceden malas cosas. Pero lo enfermizo es temer todo esto
mucho antes de que suceda, incluso cuando ni siquiera hay indicios de
que pueda ocurrir. ¿Por qué destrozar nuestro presente feliz por el miedo a un futuro incierto?
Miro hoy hacia atrás y me doy cuenta de que esos soponcios
silenciosos forman parte de la vida de muchos. De que, para bastantes
personas, vivir es ir cayendo de cuando en cuando en esos pozos. Susto, ansiedad,
temor irrefrenable y repentina inquietud ante el futuro. Quieres
esconderte, rendirte, pero, al fin, qué maravilla, no lo haces. Lo dice la sabiduría popular:
un valiente no es quien no tiene miedo, sino quien lo supera. De manera
que, mis queridos amigos cobardes, los que convivimos cotidianamente
con el miedo somos sin lugar a dudas los más valerosos.
Sé de amigos y amigas que estaban enamorados de alguien, o por ahí. De
pronto les tocó frecuentar a su familia, y se les alteró la visión del
ser amado.
AL MENOS EN TRES de mis novelas los parecidos han tenido un papel
episódico pero no exento de importancia, así que es un asunto al que le
doy vueltas de tanto en tanto. Ahora me toca de nuevo a raíz del
nacimiento de una niña, nieta de mi mujer, a la que de momento (sólo
cuenta siete meses) veo una considerable semejanza con su abuela, en
ciertos rasgos físicos y en lo que se anuncia como un carácter risueño y
alerta. Su hija, la madre de esta niña, ya se le parece notablemente,
hasta el punto de que la gente las toma por hermanas en ocasiones,
cuando las ve juntas. Por lo visto, la madre de mi mujer (a la que ésta
no conoció hasta su adolescencia, y entonces sólo durante un breve
periodo) era asimismo idéntica a su hija, por tanto a su nieta y quizá a
su bisnieta, a las que tampoco conoció, obviamente. De ser todo esto
así, sumarían cuatro generaciones de mujeres con facciones muy
similares, y alguien tan dado al pensamiento ocioso como yo no puede por
menos de preguntarse el porqué de tan exagerada insistencia en
determinados genes. Cierto que cada una tuvo, tiene o tendrá su personalidad y su
biografía: diferentes personas forjadas cada una a sí misma, complejas;
en algún caso opuestas entre sí, la negación de la anterior. Pero con
una fortísima semejanza en el “continente”. No es tan frecuente la reiteración. Los parecidos acaban diluyéndose
(intervienen nuevos individuos en la creación de cada criatura), la
prolongación indefinida no suele darse. De niño todo el mundo decía que
yo era clavado a mi madre. Entonces no lo veía, porque los niños no se
ven bien; ni siquiera distinguen demasiado a los otros (recuerdo haber
creído durante años que James Stewart y Gary Cooper eran el mismo, y otro tanto me ocurría con Dean Martin y Robert Mitchum;
claro que a ellos los encontraba de tarde en tarde en el cine, y además
caracterizados). Más adelante sí llegué a verlo, y cuando ella murió, a
mis veintiséis, en el trayecto en coche hacia el cementerio me veía
parcialmente en el espejo del conductor, y, tras una noche de pena e
insomnio, sólo acertaba a pensar en bucle: “Debo de ser lo más parecido a
ella que queda”.
Ahora que he cumplido casi tres años más de los que ella cumplió, no
sé si sigo “representándola”, seguramente no. Uno va cambiando, y le
surgen parecidos que no solía tener. A algunos de mis tíos, muy
distintos de mi abuelo, los vi de repente idénticos a éste, según se
adentraron en la edad de su padre cuando yo lo traté. De mis cinco
sobrinas, hay una a la que durante tiempo creí verle más semejanza
conmigo que con su propio padre, hermano mío. Ahora no sé: ella y yo
vamos variando. Los parecidos, además de misteriosos o inquietantes, pueden resultar también peligrosos. Sé de amigos y amigas que estaban enamorados
de alguien, o por ahí. De pronto les tocó empezar a frecuentar a la
familia de ese alguien, y no sólo se les alteró la visión del ser amado,
sino que incluso dejaron de quererlo paulatinamente. Conocieron a un
padre o a una madre con los que guardaba parecido el ser amado. Y no
sólo “preanunciaban” la posible evolución de ese ser (se entiende que
para mal, o para desaliento), sino que lo que mis amigos tomaban por
peculiaridades de su novio o su novia resultaron ser vulgares “copias” o
“contagios” de quienes los precedían, de unos transmisores tal vez
desagradables, antipáticos o mal educados.
Conocer y tratar a una persona a solas, en sí misma, es muy distinto
que conocerla y tratarla en su medio original, en su entorno familiar,
que puede provocar un rechazo tan drástico como para impregnar sin
remedio a quien hasta entonces se quería con locura e
incondicionalmente. Por eso no entiendo la suicida afición española a
las familias, a las propias y a las políticas o adquiridas. Cada nuevo
miembro suele ser engullido por ellas sin la menor consideración, y los
aterrizados cónyuges o parejas se oponen poco, se dejan absorber y
fagocitar, tanto si les agrada el terreno que pisan como si no. Yo he tenido la “suerte” (para mí, no para ellas, claro) de que la
mayoría de mis parejas eran huérfanas de padre o madre o de los dos. De
que carecieran de verdadera y vampírica estructura familiar. Si hablo de
suerte es porque no he corrido el riesgo de sentir ese rechazo
“vicario” o “por delegación”. En lo que a mí respecta, consciente de ese
peligro, he “impuesto” lo menos posible a mi familia, para no ser yo
víctima de ese injusto repudio contra el que no se puede luchar. Si
alguien que nos quiere nos ve súbitamente como “reflejo” o prolongación
de alguien mayor que le pone de los nervios o le cae como un tiro; si
vislumbra nuestro rostro futuro en un rostro envejecido y tal vez amargado o quizá abotargado, en unos rasgos que le repelen o le causan
decepción, no es difícil que, a su pesar, se aleje de nuestra compañía. Puede suceder lo contrario, claro está: padres o madres tan
encantadores, comprensivos e inteligentes, y de físico tan grato en sus
diversas edades, que nos inviten a quedarnos cerca de su hijo o su hija,
ante la probable promesa de una admirable evolución. Pero, por si
acaso, yo sería partidario de suprimir todo contacto con las familias
sobrevenidas, no vaya a ser que, por su culpa, nuestro amado o nuestra
amada se nos tornen insoportables, y los perdamos.
“Recuerdo claramente que la primera vez que oí la Segunda Sinfonía
de Mahler fui presa, especialmente en ciertos pasajes, de una
excitación que se expresó incluso físicamente, en los violentos latidos
de mi corazón. [...] Una obra de arte no puede producir un efecto mayor
que cuando transmite al oyente las emociones que rugieron en el creador,
de tal modo que también rujan y bramen en él. Y yo me sentía abrumado;
absolutamente abrumado”. Quien así se expresó fue Arnold Schönberg,
quien, a poco de morir Mahler, proclamó: “Gustav Mahler era un santo”. Así comenzaba el artículo que escribió para el número monográfico que la
famosa revista Der Merker publicó en mayo de 1912 tras la
muerte, pocos meses antes, del compositor. “Cualquiera que lo conociese,
siquiera ligeramente, debe de haber tenido ese sentimiento”, prosigue
Schönberg. “Quizá sólo unos pocos lo entendieron. E incluso entre esos
pocos los únicos que lo honraron fueron los hombres de buena voluntad.
Los otros reaccionaron ante el santo como los absolutamente malvados han
reaccionado siempre ante la bondad y la grandeza absolutas: lo
martirizaron. Llevaron las cosas tan lejos que este gran hombre dudó de
su propia obra. Ni una sola vez se le permitió que pasara de él ese
cáliz. Tuvo que tragar incluso el más amargo: la pérdida, si bien sólo
temporalmente, de la fe en su obra”. Pocos antecedentes, si es que alguno, pueden encontrarse de una composición como su Segunda Sinfonía. Su extensión, en torno a los ochenta minutos; su plan formal en cinco
movimientos; la inusual presencia de las voces solistas y del coro en
los dos últimos; la irrupción desbordante del yo en el mundo sinfónico; la influencia de un programa que iba mucho más allá del característico
tono descriptivo; la música como vehículo de trascendencia: la partitura
de Mahler reunía demasiados elementos novedosos como para no abrumar a
un músico tan sagaz, sensible y bien informado como Schönberg.
Desde que se alzó victorioso en la primera edición del Concurso de
Dirección de Orquesta Gustav Mahler de Bamberg en 2004, Gustavo Dudamel
ha hecho de la música del austríaco una de sus tarjetas de presentación
en multitud de países. Ha ofrecido la integral de sus sinfonías con sus
orquestas de Los Ángeles y Caracas, además de haber grabado ya al menos
la mitad de ellas. En sus últimas visitas a Madrid ha dirigido el Adagio de la Décima a la Filarmónica de Viena y la Cuarta a la Orquesta de Cámara Mahler
y los resultados fueron tan dispares que nada podía imaginarse de cómo
sería esta Segunda al frente de la Filarmónica de Múnich, una ciudad
mahleriana como pocas, ya que conoció en su día nada menos que los
estrenos de la Cuarta, la Octava y Das Lied von der Erde. El concierto comenzó con la orquesta algo desconcentrada (han debido
de vivir pocas tardes más calurosas que la del viernes en Madrid) y no
del todo bien afinada, lo que provocó el hecho un tanto insólito de que
volvieran a tener que afinar después del primer movimiento, concebido
inicialmente en 1888 como un grandioso fresco orquestal en Do menor con
el título de Todtenfeier (Ritos fúnebres). El gran reto es
hacerlo sonar como un todo unitario, plagado de contrastes, pero
traducible como una pieza sólida y cohesionada. A Dudamel le salió más
bien deslavazado, en buena medida porque ralentizó los momentos lentos
en exceso (y esta sería luego una tónica de toda su propuesta) y llegó a
los fortissimi por superposición de capas de sonido, no por un incremento cumulativo de la tensión.
Mahler reclama que no haya premura alguna en el segundo movimiento,
que el venezolano volvió a verter con demasiado estatismo y un
innecesario preciosismo sonoro, sin dejar que la música fluyera con
mayor libertad y espontaneidad. La indicación “con humor” que anota
Mahler para el clarinete en un par de ocasiones sirve en realidad para
todo el tercer movimiento, más si conocemos el texto de la canción que
le sirve de base. Pero tampoco aquí dio Dudamel con el tono justo. La
entrada de la voz en Urlicht no tuvo la trascendencia
requerida, en parte por las limitaciones de Tamara Mumford, con un
alemán deficiente y sin empatizar del todo ni con el texto ni con la
música sencilla pero enormemente eficaz de Mahler. El extenso movimiento
final avanzó en la misma o parecida línea hasta que, con la llegada del
coral de trombones, tuba y contrafagot, el director venezolado encontró
por fin su mejor voz mahleriana, honda y convincente, al tiempo que
lograba que la orquesta ofreciera también lo mejor de sí, con destacadas
intervenciones de oboe, trompa y, sobre todo, flauta solistas.
No le ayudó en ello tampoco la otra presencia vocal femenina, la
soprano Chen Reiss, que no empezó a cantar, como prescribe la partitura,
al unísono con las sopranos del coro hasta que, en un efecto
perfectamente medido por el compositor, su voz se desgaja y se eleva a
otras alturas.
Sí contribuyeron, en cambio, el Orfeó Català y el Cor de
Cambra del Palau de la Música Catalana a hacer de esta música inspirada
por una oda de Friedrich Klopstock el mejor momento, con mucho, de la
versión de Dudamel.
Preparados por Simon Halsey, un extraordinario
director de coro, afrontaron tanto los pasajes apenas audibles como las
grandes exclamaciones con perfecto empaste e impecable afinación.
Lástima que la ausencia de textos impresos en el programa o la
proyección de la traducción impidieran que muchos de los asistentes
comprendieran qué era lo que se estaba allí dilucidando: lo que Mahler
llamó “el terrible problema de la vida: la redención”.
Le había abierto el camino la referencia a la “dichosa vida eterna” de Urlicht
en el cuarto movimiento, un motivo que vuelve a aparecer, cerrando el
arco, y en un contexto muy diferente, en los últimos suspiros de Das Lied von der Erde.
Mahler formulaba así, a la manera de una grandiosa epopeya
escatológica, el primero de sus muchos empeños por exorcizar su propia
muerte, la más fiel compañera durante toda su vida.
Pero en la versión
de Dudamel, que se reservó sus mejores y más sinceras esencias para el
final, atisbamos la resurrección sin haber sentido previamente la
punzada precisa de la muerte.
Lladró, emporio de
porcelanas surgido del horno moruno de una casa de labriegos valencianos
en los años 50, reinó durante décadas en el mercado mundial del lujo y
decoró las mansiones de famosos como Lauren Bacall, Michael Jackson, que
llegó a atesorar en rancho Neverland más de 300 de las conocidas figuritas, o Nancy Reagan.
Como en alguna ocasión contó José Lladró,
fundador de la firma con sus hermanos Juan y Vicente y el gran
coleccionista de anécdotas, la fama de la marca rozó las estrellas
cuando le regalaron al papa Pablo VI su conocida composición de los tres Reyes Magos
y el Pontífice la recicló, entregándola a los astronautas que viajaron a
la Luna en 1969 (Armstrong, Aldrin y Collins) porque eran los
mensajeros de Dios en el mundo exterior. Pepe Lladró [como le conocían sus allegados], desvinculado de la empresa que alumbró, falleció el pasado 17 de junio a los 91 años de edad
cuando la firma de porcelanas busca recuperar su brillo y reconduce su
producto, hecho a mano, en plena era digital, rodeado de planes de
ajuste y dirigida por un fondo de inversión español. Lladró ha sido durante décadas sinónimo de exclusividad y prestigio. La firma abría exposiciones o tiendas en la Quinta Avenida de Nueva York
o en Rodeo Drive, en Los Ángeles. Corrían los años 80 y 90 y la
figuritas de Lladró eran un fenómeno planetario, con miles de
coleccionistas y desde luego no al alcance de todos los bolsillos. La
actriz Tippi Hedren, la espléndida protagonista de Marnie la ladrona,
hizo subirse a su cama a José Lladró para firmarle una paloma de la
firma colgada del techo de su casa. La firma atesora centenares de
anécdotas parecidas.
Las delicadas piezas de porcelana, sin nada que envidiar a marcas con 300 años de antigüedad, eran muy cotizadas y causaban admiración en Estados Unidos y Japón,
con precios de 170.000 euros e incluso más. "Vendemos barro a precio de
arte, este es el secreto", explicaba entusiasmado un alto cargo del
grupo en 1988 cuando Lladró abrió un museo en Manhattan. Como explicaba
uno de los cronistas, a Lladró le pasaba lo que al cantante Julio
Iglesias, y es que eran más valorados fuera que dentro de su país. “Su
ternura se adapta a nuestro corazón", confesaba entonces un ferviente
coleccionista sueco.
Pero con el estreno del nuevo milenio llegó la crisis y la
decadencia. Ahora Lladró, con unas cifras de facturación y plantilla
mermadas, busca sobrevivir sin los Lladró, que vendieron sus acciones en 2017 tras el fracasado intento de traspasar el negocio a la segunda generación de la familia. El traspaso no cuajó debido a agrios conflictos y desavenencias. Los
conflictos familiares se airearon en entrevistas y libros de memorias e
incluso hubo contencioso en los juzgados. La empresa no ha dejado nunca de investigar y a su línea de figuras
escultóricas, que representan sentimientos universales como el amor, la
maternidad o la alegría, se han añadido productos de hogar e
iluminación. Lladró se presenta a los clientes como "la porcelana del
siglo XXI". Tiene artículos que oscilan de los 50 a los 3.000 euros. Se
ha convertido en una firma de artesanía, que lo hace todo a mano, "en la
era de las prisas", con más de 1.000 puntos de venta autorizados -llegó
a tener más de 2.000. Una de las celebridades interesadas por Lladró es el príncipe de
Tailandia [ahora rey], que conocía las figuritas porque sus padres eran
coleccionistas. También se ha visto a Naomi Watts con alguna pieza de
joyería de la marca aunque los gestores siempre han sido muy celosos de
este tipo de datos.
A pesar de todo lo que ha llovido desde su creación, la sede de
Lladró continúa en la localidad valenciana de Tavernes Blanques, a pocos
kilómetros de Almàssera, municipio donde la familia Lladró Dolz
cultivaba sus campos. Una escultura en piedra y metal, con la efigie de
los tres fundadores, preside la explanada de acceso al edificio
principal. La salida de la familia del grupo fue dura y difícil pero,
como apuntó Juan Lladró, el negocio iba a crecer "en manos de otros". Se acabaron los debates que los tres hermanos solían protagonizar mientras dirigieron su imperio de porcelana desde una pequeña localidad valenciana. Terminaron las votaciones con que los tres empresarios elegían por
unanimidad o mayoría de votos las piezas que entraban o no en el nuevo
catálogo porque en Lladró las discusiones entre los hermanos enriquecían
al grupo y les hacía crecer. El paso del negocio a la segunda
generación fue la excepción.
La
princesa de Asturias, que cumple 14 años el 31 de octubre, va teniendo
más protagonismo en la vida oficial aunque la Casa del Rey protege los
planes que tiene para ella.
Leonor de Borbón, princesa de Asturias.Chema ClaresGTRES
Son pocas las noticias que facilita la Casa del Rey sobre la princesa de Asturias
y su hermana. Las hijas de don Felipe y doña Letizia, por deseo de sus
padres, llevan una vida bastante apartada de los focos. Lo dijo hace
años el Rey: “Ya tendrán tiempo”. Pero parece que el tiempo se acaba.
Leonor de Borbón cumple 14 años el 31 de octubre y la maquinaria del
palacio de la Zarzuela ya trabaja para que la heredera vaya asumiendo
poco a poco su papel. En los últimos tiempos ha habido claras señales. Comenzó con la imposición a la princesa del Toisón de Oro que Felipe VI decidió entregarle el día de su 50 cumpleaños. A este acto simbólico le siguió una visita a Asturias pasando por Covadonga y luego la lectura de la Constitución,
que fue la primera vez que se oyó la voz de Leonor en un acto público. La última comparecencia de la princesa fue el pasado día 19 en la
entrega de medallas de la Orden del Mérito Civil, al cumplirse cinco
años del relevo en la Corona. Salvo estas presencias puntuales la vida
de la heredera está blindada a la curiosidad. Hace una semana que Leonor terminó las clases en el colegio Nuestra
Señora de los Rosales, donde ha finalizado segundo de la Educación
Secundaria Obligatoria (ESO). Ha concluido el curso con buenas notas. La
hija mayor de los Reyes es una buena estudiante que, además de las
tareas ordinarias de su centro escolar, añade otras actividades e
idiomas. Habla inglés con mucha fluidez, como su padre ha contado, y
aprende francés. Comenzó a estudiar chino y algo de árabe, pero sus
padres quieren que esté familiarizada antes con las lenguas del Estado
español.
Don Feipe, con su hija Leonor.Chema ClaresGTRES
Leonor hace tiempo que sabe el papel que desempeña y entiende el
trabajo que hacen sus padres. Es habitual que don Felipe y doña Letizia
les cuenten a sus hijas la actualidad. En más de una ocasión, se ha oído
a la Reina explicar a sus hijas quién era alguien cuando estaban
saludando en un acto. Quienes están cerca de Leonor y de Sofía cuentan
que son dos niñas muy educadas. La mayor es más tranquila y reflexiva;
la pequeña, más inquieta. Sus padres quieren que en esta primera fase de
sus vidas no haya casi diferencias entre ellas, por eso siempre acuden
juntas a las convocatorias públicas. Pero en el futuro Leonor deberá de
asumir más protagonismo.
Todo lo que rodea a las hijas de los Reyes es alto secreto. “Todo en
su momento” es la frase que se pronuncia en el palacio de la Zarzuela
cuando se pregunta qué planes hay para Leonor. El hermetismo es tal que
ni tan siquiera se ha querido desvelar si la princesa de Asturias
pronunciará su primer discurso cuando debute en octubre en los premios a
los que da nombre. Pero si nos atenemos a los precedentes, es posible
que de alguna manera se escuche su voz. “Para la Reina y para mí va a
tener una significación muy especial y especialmente emotiva”, dijo el
Rey al anunciar que Leonor y Sofía estarán en Oviedo. “La presencia en el Teatro Campoamor de nuestras hijas no supone un
antes y un después, sino un hoy y un mañana no solo para nuestros
premios, sino para la vida de la propia fundación y un orgullo para la
Corona”, añadió. Hay algunas similitudes entre la trayectoria de Leonor y de su padre. Una de las más evidentes es que su asistencia a los premios de la
Fundación Princesa de Asturias llega a la misma edad en la que el
entonces príncipe pronunció su primer discurso. Tampoco son casuales sus viajes a Estados Unidos. El jueves la Casa
del Rey informó de que Leonor y Sofía se van de campamento de verano. El
destino elegido es de nuevo algún punto de Estados Unidos, país en el
que ya estuvieron el año pasado. Como en aquella ocasión, y para blindar
su privacidad, no se ha desvelado donde pasarán el mes de julio. Entonces, las llevó la Reina en un avión de línea regular de Iberia. A
su regreso a España, ya en Palma de Mallorca, Leonor contó que había
conocido a niños de muchos países y había practicado la vela. Poco más.
Si los planes de Leonor a los 13 años son todo un secreto, más lo son
los que se preparan para ella cuando termine sus estudios en Nuestra
Señora de los Rosales. Por su condición, la princesa de Asturias debe
tener formación militar porque está llamada a ser la jefa de los
ejércitos. Pero cómo recibirá esta instrucción es todavía una incógnita,
como también lo es qué estudios realizará. Leonor es una gran lectora a quien parece interesarle mucho las
Humanidades. Si sigue el guion de su padre, que estudió Políticas,
además de una carrera tendrá tutores de diversas materias que
complementarán su formación. El futuro de la Corona es suyo.
Ha causado un gran frufrú y revuelo que la revista ¡Hola!
publicara esta semana tres bodas, consideradas exclusivas, en una misma
portada. Todo un récord. Si no estábamos ya hasta arriba con la megaboda futbolera y rockera de Pilar Rubio y Sergio Ramos,
ahora tres tazas más de lo mismo. ¡El romanticismo debe tener un
límite! Las tres bodas ofrecen un surtido de tipos de novia poco
usuales. Una es Belén Esteban, princesa del pueblo. Otra es Ainhoa Arteta, la gran soprano española. Y por última, María Pombo, la primera bloguera en tener boda retransmitida en streaming
y publicada en papel. Con ellas podría acercarse el fin de las
exclusivas, ese reportaje negociado con el cual la publicación se
garantiza fotos, declaraciones y anécdotas absolutamente propias
prometiendo a los novios ser portada, nunca hasta ahora taaan compartida. Afortunadamente, las tres bodas no repiten invitados pero las une el rito católico, el traje de novia y la bendición de ¡Hola! La primera sorpresa surge cuando la figura de Belén Esteban, vestida de novia
pero sin novio, ocupa la portada en soledad. Muchos lectores “de toda
la vida” de la publicación han aireado que les indispone verla en ese
altar que es esa portada. Belén está allí porque es la princesa del
pueblo y como aristócrata debe salir en ¡Hola!, con mucho más
motivo al contraer matrimonio. Esteban vuelve a demostrar así que
continúa siendo una figura femenina con la que se identifican miles de
españolas. Esa mayoría silenciosa que decía Mariano Rajoy. Esos millones de espectadores que nunca ves pero que siempre ven algo en Belén que les emociona.
Esta boda-reality es en cierto modo un caballo de Troya. Con ella, Esteban abre las puertas de ¡Hola!
a Mediaset, el poderoso grupo mediático para el cual trabaja. Una
cópula, perdón, una alianza quizás más excitante que la propia ceremonia
porque durante años se consideró más bien vulgares a los miembros y los
contenidos de esa comunidad televisiva. Y hoy les da todo el respaldo
posible, tanto que son más fotografiados sus compañeros de trabajo que
el novio o que su propia hija.
María Pombo y Pablo Castellano durante su boda en Santander, el 22 de junio.GTRESONLINE
La siguiente boda de portada viene anunciada en un recuadro lateral. Es la de María Pombo, una joven bloguera
que se vuelve definitivamente conocida al figurar en la portada de la
edición impresa del semanario. Ella sí enseña novio y este, a su vez,
nos muestra un traje hiperclásico con los puños de la camisa medidos
para que dejen ver un reloj suizo carísimo, que usted puede financiar
cómodamente en unos grandes almacenes. Así fue como Belén Esteban
consiguió su primer Cartier, por ejemplo.
Lo que más moló de esta boda repleta de influencers es que fuese “transmitida en directo”. Un streaming
tan bien realizado por el equipo digital de la revista que pudimos
entender la cara de preocupación de la novia cuando en la iglesia empezó
a sonar el himno nacional a bombo y platillo. Pombo explicó que habían
pensado en usar “la parte menos fuerte del himno pero hubo un error y se
usó la fuerte”. Muy mona, muy bloguera y muy nacionalista, Pombo
confirma que puedes ser novia influyente y conservadora sin complejos. Ella misma, en su encanto de bloguera, llega a recordar que “en la
antigüedad todas las novias entraban con el himno”. ¿La antigüedad
quiere decir el franquismo? Ese discurso va envuelto por el peinado boho de
la novia y acompañado de los vestidos palabra de honor con pierna
derecha al aire de las amigas; los amigos del novio van todos de azul
marino, porque no existe el gris para los influencers.
Acudimos a la fiesta preboda de Ainhoa Arteta
y Matías Urrea en las bodegas Lustau de Jerez de la Frontera. De las
tres bodas de la histórica portada, me pareció la más fina y divertida. Ainhoa cantó varios éxitos de Rocío Jurado
junto al grupo flamenco; mientras recorríamos la bodega su virtuosa voz
nos seguía bajo los inmensos arcos construidos como si fuera un templo. Susana Díaz apareció con el pelo más corto y asegurando que la idea
había sido de Ana Rosa Quintana,
también invitada. Mientras tanto, los amigos del novio, miembros de la
Armada, se pavoneaban con sus uniformes blancos y sus esposas o novias
bien sujetas del brazo mientras pedían selfies para
fotografiarse junto a mi esmoquin color menta.
“Macho, me encantaría
vestirme así”, me confesaron, provocando algo parecido al amor.
Almeida
respeta la tradición que instauró Carmena con la enseña arcoiris, pero
en un lateral de la fachada central, junto a una nueva rojigualda que
Vox había pedido que instalasen.
La
segunda bandera de España instalada en la fachada del Ayuntamiento de
Madrid, junto a la enseña Arcoiris. En vídeo, los dirigentes del
Ayuntamiento de Madrid hablan sobre la medida.Uly Martín / atlas
La bandera arcoíris ha vuelto al palacio de Cibeles. La enseña, que representa al colectivo queer
(lesbianas, gais, transexuales, bisexuales...), vuelve a colgar de la
sede el Ayuntamiento como lo viene haciendo desde 2015, cuando la
entonces alcaldesa Manuela Carmena (Más Madrid) mostró el compromiso del
gobierno municipal con las reivindicaciones del colectivo. Pero en esta
ocasión es diferente. En lugar de aparecer en medio de la fachada
principal, donde ha ondeado estos años, el nuevo Ayuntamiento, gobernado
por el Partido Popular en coalición con Ciudadanos y con el apoyo del partido de ultraderecha Vox, ha colocado la bandera en la zona izquierda de la entrada. Este no ha sido el único cambio . La enseña arcoíris de José Luis
Martínez-Almeida es diferente de la que hubo hasta ahora: elaborada por
los madrileños y de 26 metros de largo. Ahora se ha encargado una nueva,
que es más corta. Aunque el Ayuntamiento explicó que la otra estaba
“muy deteriorada”, en Cibeles había voces que defendían usar esa enseña
así como colocarla en el lugar que había ocupado desde el 28 de junio de
2015, día internacional del colectivo en homenaje a los disturbios de Stonewall, que este año cumplen medio siglo. La segunda bandera de España instalada en la fachada del Ayuntamiento de Madrid.Uly Martín"No voy a patrimonializar el Orgullo Gay como se hace desde la
izquierda, pero no voy a dejar de colocar esa bandera", ha asegurado el
alcalde. "Me critican por un lado y me critican por el otro, por tanto
creo que estamos acertando con lo que estamos haciendo", ha añadido.
La tradición del Orgullo que inició Carmena
La exalcaldesa de Madrid Manuela Carmena durante el acto del despliegue de bandera del Orgullo Madrid en 2018.Diego Perez CabezaEFE
“Fuimos los primeros y estoy muy orgullosa de ser la alcaldesa de una
capital que dio un paso tan importante”, dijo Carmena ese año. Era la
primera vez que se colgaba la bandera arcoíris en el Consistorio. También la primera ocasión en 24 años que no gobernaba el PP la ciudad
de Madrid. Las asociaciones Cogam y Felgtb describieron el momento como
“un hito después de tantos años de lucha”: “Un momento único, histórico,
que jamás se borrará de nuestros corazones”. Con la llegada del nuevo gobierno a Cibeles, el 15 de junio,
surgieron las dudas de si el Consistorio iba a colgar la bandera
arcoíris al asociarse para la investidura de Almeida con un partido que
en campaña pidió que el Orgullo se moviera del centro de la ciudad a la Casa de Campo. Tanto Ciudadanos como el PP insistieron en que sí que se iba a hacer. Vox, cuyos votos son indispensables para que las derechas gobiernen,
criticó la idea y recomendó al alcalde Almeida que colgara mejor una
bandera de España. Dicho y hecho: el jueves apareció una enseña en el
mismo lugar donde el año pasado se colgó la del Orgullo (donde también
estuvo la de Refugees Welcome); justo debajo de otra rojigualda que
ondea en un asta.
Almeida se ha mostrado "extrañado porque exista malestar al colocar
la bandera de España en la fachada del Ayuntamiento, más aun cuando en
el Ayuntamiento de Barcelona, gobernado por Ada Colau con el apoyo del
PSOE, hay unos lazos amarillos que lo que hacen es insultar al Estado de
Derecho y a la democracia diciendo que hay presos políticos, cuando lo
que son es políticos presos". Según el alcalde, Madrid tiene claro su
"compromiso con España como capital de la nación". “Hay un intento de ocultación de la bandera LGTB. Es bastante
evidente la maniobra. Hay que recordar que en nuestra etapa había diez
banderas de España en el propio Ayuntamiento y en la fuente de Cibeles. Ahora añaden esta otra en el lugar que tradicionalmente ha ocupado la
bandera LGTB, que es el lugar más visible, en la fachada de Cibeles”,
ha dicho José Manuel Calvo, concejal de Más Madrid. “La ponen en un
lugar mucho menos visible, en un momento en que tenemos que reivindicar,
creo, los derechos de las personas LGTB, y eso es lo que el
Ayuntamiento de Madrid tiene que priorizar. No esperábamos eso de este
gobierno, claro. Tiene que seguir haciendo guiños a Vox y al final vemos
que es la ultraderecha, con esos cuatro concejales, quienes están
marcando la agenda del gobierno”, ha añadido Calvo. A pesar de que la
capital es una ciudad abierta y tolerante, las agresiones lgtbfóbicas no
cesan: el Observatorio Madrileño contra la Homofobia registró 345 agresiones en 2018, un 7,5% más que el año anterior.
Cronología de la reivindicación del Orgullo en Madrid
Primera manifestación del Orgullo en Madrid, celebrada en 1978.CHEMA CONESA
El primer Orgullo se celebró en Madrid en el año 1978. Un año
después, se legalizó la homosexualidad en España aunque no hasta 1995 no
se eliminaron todas las leyes homófobas. Aquí puedes ver un recorrido histórico en fotos.
El matrimonio igualitario se aprueba en España en 2004 gracias al
impulso del PSOE y con Rodríguez Zapatero como presidente.
El PP
recurrió la norma al Tribunal Constitucional y organizó manifestaciones
en contra de la misma en Colón.
En 2007, Madrid se convirtió en la capital europea del colectivo
LGTBIQ al acoger el Euro Pride.
El Orgullo de Madrid se convierte en un
referente.
La bandera arcoíris no lució en las instituciones hasta 2015. Tras
24 años de alcaldes del PP, Manuela Carmena (Ahora Madrid) se hizo con
la alcaldía y colocó la enseña. La Comunidad, gobernada por la popular
Cristina Cifuente (PP), también lució bandera.
En 2017, Madrid acoge el Orgullo Mundial (World Pride).
El Tribunal de Casación decide este viernes sobre el caso de Vincent Lambert.DOMINIQUE FAGETAFP
El Tribunal de Casación francés ha abierto la vía este viernes a que
los médicos puedan desconectar a Vincent Lambert. Consideran que el
tribunal de apelaciones de París, la instancia previa que había frenado
esta opción, no tenía competencia para ordenar el mes pasado la reanudación de sus cuidados. El fallo de la máxima instancia judicial de Francia da de nuevo la
opción de que este enfermero psiquiátrico francés de 42 años, en estado
vegetativo y tetrapléjico desde hace más de una década, pueda ser
desconectado de las máquinas de alimentación e hidratación que lo
mantienen con vida. Eso, una muerte digna para dejar de vivir “como un vegetal”,
es lo que su mujer y tutora legal, Rachel Lambert, así como buena parte
de sus familiares y amigos aseguran que era la voluntad de Vincent. El
problema es que no lo dejó por escrito en un testamento vital. Y sus
padres, católicos tradicionalistas, se oponen frontalmente a lo que
consideran una eutanasia “encubierta” y llevan años intentando impedir
en los tribunales que se ponga fin a sus cuidados.
“Se anula la sentencia del tribunal de apelaciones sin
remisión del caso a un nuevo juicio”, dijo el Tribunal de Casación en un
fallo ampliamente esperado.
La orden judicial obligó a los médicos de
Lambert a volver a conectarlo a las máquinas que le habían retirado esa misma mañana
y a interrumpir también la sedación profunda a la que había sido
sometido conforme al protocolo de fin de vida que establece la
legislación francesa para que no sufriera hasta su muerte, que se
calculaba sucedería en los días siguientes.
Con la decisión ahora del máximo tribunal francés, que no entra en
cuestiones de fondo —ni tampoco sobre si la petición del comité de la
ONU es vinculante o no, como dice el Gobierno de Emmanuel Macron— “se ha
llegado al final del camino” judicial, afirmó a las puertas del
tribunal Patrice Spinosi. Es el abogado de la mujer del enfermero,
Rachel Lambert, quien no acudió a París a escuchar el fallo. “Esto es el final de este litigio, ya se ha recurrido a todos los jueces franceses y europeos
(…) ya no queda ningún recurso que pueda hacerse para suspender la
desconexión” de Vincent Lambert, insistió. Y estimó que el hospital de
Reims, donde se encuentra el paciente, puede decidir desconectarlo en
cualquier momento “a partir de ahora”. “Si el doctor Sanchez pretende volver a iniciar el proceso para
asesinarlo, además de medidas disciplinarias y de medidas penales por no
asistencia a una persona en peligro, también deberá afrontar una
demanda civil por asesinato con premeditación sobre una persona
vulnerable”, advirtió Triomphe, quien adelantó que la madre de Vincent
Lambert, Viviane, hablará el próximo lunes ante el Consejo de Derechos
Humanos de la ONU en Ginebra.
Sin embargo, los abogados de los padres de Lambert aseguraron que no
tirarán la toalla en lo que definieron como un “combate político”. “Claro que es un combate político.
Cuando vemos que todo un Estado desencadena sus considerables recursos
humanos, financieros, políticos para ensañarse contra un hombre (…) yo
digo que Francia no merece más llamarse el país de los derechos
humanos”, afirmó Jérôme Triomphe, un letrado vinculado a movimientos de
extrema derecha y ultracatólicos como los padres de Lambert. Junto con el otro abogado de los padres, Jean Paillot, Triomphe
amenazó al jefe del equipo médico encargado de Lambert, Vincent Sanchez,
con acusarlo de “causar la muerte” de Lambert si vuelve a iniciar el
protocolo de fin de vida del enfermero.
