CRÍTICA DE LA PELÍCULA “EL AMERICANO”: GEORGE CLOONEY SE APODERA DE LA PANTALLA

CRÍTICA DE LA PELÍCULA “EL AMERICANO”: GEORGE CLOONEY SE APODERA DE LA PANTALLA



“El americano” recuerda al cine negro francés de los años 70 y 80. Cuenta la historia de un asesino a sueldo y experto en armas (sobre todo en montarlas para sus acciones).
Veterano y cansado decide dejarlo, en ese momento recibe un encargo que debería ser el último. Debe refugiarse en un pequeño pueblo italiano –deviene en un personaje más del film- para preparar un arma que otra persona, en este caso una mujer, utilizará. Será difícil que le permitan dejar su trabajo, sabe demasiado.

George Clooney se convierte en el protagonista absoluto, aparece en la mayoría de planos, y su presencia escénica es enorme, domina, hace crecer el valor del film.

La mítica canción de Renato Carosone “Tu vuo fa l´americano” actúa acertadamente de leiv motiv.

La vida cotidiana del americano en el pueblo nos depara momentos y escenas de gran nivel, que muestran un mundo en el que la vida se mueve a un ritmo distinto al de las grandes ciudades, más tranquilo, más pausado.

Anton Corbjin (Holanda 20 de mayo de 1955), el director, trabaja muy bien la ambientación y los tempos, poco a poco va construyendo una bomba de relojería, pero en una película de este estilo se espera mucho más, más personajes, más giros, más sorpresas. Hay secuencias algo exageradas por reiteración, los muertos en acción en un pueblo tan pequeño son poco creíbles, ya que nadie lo denuncia, la narración no tiene en cuenta sus consecuencias, genera reticencias en el espectador avezado en este tipo de historias.

La historia es demasiado lineal.

“El americano” es una buena película, pero debería haber sido mucho mejor
En el 2007, el holandés Anton Corbijn hizo su primera incursión en el cine con Control. Luego de trabajar en videoclips con bandas como Depeche Mode, U2, Nirvana o The Killers y ganar prestigio internacional como uno de los mejores fotógrafos de nuestra era, con su ópera prima logró conquistar otra faceta del arte, consiguiendo una película que muchos han catalogado como una de las 10 mejores de la década pasada. Adivinaron: nunca se estrenó en nuestro país. Este año nos presentará su segunda película, una que promete mantener su peculiar estilo estético fotográfico, aunque esta vez en una producción netamente americana. Se trata de The American, protagonizada por el cada vez más cotizado (¿se puede más?) e interesante George Clooney. Esta vez la historia se centra en un asesino a sueldo cuyo último trabajo ha salido mal. Con el cargo de conciencia encima, además de una total desconfianza en cada persona que se le cruza en el camino, decidirá refugiarse en un alejado pueblo de Italia, en donde una misteriosa mujer lo ha contratado para que cumpla una misión que no resulta ser lo que parece. Se estrena el 1ero de setiembre en los EEUU y recemos que, al ser producción 100% yanki, esta vez sí llegue por aquí.
Acaboo de ver la película, George Coony muy desmejorado se pasa todo el tiempo pensando y fabricando o adecuando armas, se supone que es un sicario, no ha tenido que aprender guión alguno, es hombre de pocas palabras y miradas intensas y se supone olfateando todo, para no hacerse notar se nota demasíado, no está en condiciones físicas para ser un asesino a sueldo.
Está delgado no muscalado y se pasa el dia haciendo flexiones.
Cara demacrada sin expresión, entre Bond, James Bond y un autista.
Salen algunos puntos de una película rodada en pueblos de Italia.
El pueblo en el que se alojan todos pero eso si de incógnito, para bajarlo bien, subirlo pateando se asfixia uno.
Ya el comienzo nos avisa que cuidadin, vamos a ver algo aburrido, quizás es que como espectadora pocas cosas me defraudan, pero me ha defraudado George Cloony. No acaban de encontrarle un personaje adecuado, quisieron hacer el II Gary Grant, pero imposible cloony es hierático, rígido, y le encontré además unos labios muy finos, debe retocarse un poco.
George Cloony eso si, se lo curra, está casi siempre en pantalla, andando, durmiendo con un ojo abierto en coche y en moto. Pero ya sabemos que el Criminal nunca gana, ¿Seguro?

Miguel Ríos - Bye Bye Ríos

El último 'blues' del autobús

Memorias de la carretera, una parábola sobre las alegrías y las tristezas de eso que solo es rock'n'roll y sin embargo, ay, nos sigue gustando, sirvió la noche del viernes de nada obvia inauguración del fin de semana oficial de Miguel Ríos en Granada.
La leyenda de la música española, de negro, con ese balanceo suyo inconfundible, el perpetuo coqueteo con el micrófono y aquel gesto de subirse los cuellos que es todo un estilo de vida, brindó a continuación y sin respiro el himno Bienvenidos.
Y enloquecieron los hijos, las madres y los primos del rock'n'roll que abarrotaban el primero de los dos conciertos de no hay entradas (9.000 se vendieron) que Ríos ofrecerá en el Palacio de los Deportes de su ciudad natal para abrir la gira de despedida de los escenarios.
La ha bautizado Bye Bye Ríos, en otro de sus proverbiales recursos al inglés como lingua franca del pop.

Canción 'Bye, bye Ríos', de Miguel Ríos

La fiesta tuvo mucho de celebración del vasto repertorio del artista, de cincuenta años de servicios prestados a la música española y del camino que Ríos, más de una vez en solitario, fue hollando desde los lejanos, grises e ingenuos sesenta para los que vendrían después.

Nueve artistas de al menos cinco generaciones se sumaron a la despedida (por turnos y previa negociación del tema que interpretarían a dúo con el gran hombre) en un concierto generoso (dos horas y media) e irrepetible que se registró para su publicación en disco, que distribuirá EL PAÍS a partir del 24 de octubre.
El elenco fue mucho más que un alarde de agenda.
Es difícil imaginar a alguien, y mucho menos si solo es un hombre (como rezaba el éxito de Ríos, que también sonó ayer) con la capacidad para juntar a una mesa (sucedió en el conocido restaurante Chikito del centro de la ciudad) a artistas tan dispares como Ana Belén, Rosendo, Manolo García y Pereza. "¡Es que este tipo grabó antes que los Beatles!", se admiraba Leiva, de Pereza. "Y probablemente sea el único que pueda hacer de algo así. Tiene que ver mucho con el modo en que se relaciona con los suyos, con su vastísima familia", reconoció Ana Belén, que interpretó a dúo El Río en uno de los puntos álgidos del concierto.
Y acertó: el recital tuvo también mucho de aquelarre familiar. No es solo el simbolismo de Ríos de vuelta en Granada como escenario de su despedida ?es la ciudad que dejó en los albores de los sesenta para triunfar y a la que dedicó célebre tema en clave de retorno, que, claro, interpretó anoche?.
Es también que el equipo que lleva desde el miércoles en la ciudad para cuadrar los ensayos con los artistas (de Carlos Tarque, de M Clan, a Carlos Goñi; de Amaral a Lapido) está integrado por varios miembros del nutrido grupo de sobrinos (¡19!) del artista.
Además, Lua, la hija, tres veces la de la canción del mismo nombre, subió al escenario como parte de su banda Gold Lake para interpretar la oscura Un caballo llamado muerte.

¿Y el público? Una mezcla generacional escorada hacia la mediana edad y en envidiable convivencia, empezó a abarrotar el recinto dos horas antes del comienzo y respondió según lo esperado a tanto emotivo estímulo, pese a que el homenajeado se mantuvo de una pieza.
Debe de ser porque los viejos rockeros nunca lloran.

El secreto mejor guardado de la noche se desveló por fin cuando todos los invitados se subieron al escenario en un acto de sincero homenaje y ya en el turno de bises (esos simulacros de adiós) para interpretar Bye Bye Ríos, escrito por él mismo y tema estrella de la gira (nueve fechas, con llenos en Madrid, Valencia, Barcelona, A Coruña y Santander).
No fue, pese a la tentación semántica, el último de la noche y eso que la letra dice "medio siglo de rock'n'roll, se acaba la función". El honor fue para Himno a la Alegría.
Famosísima aportación de Ríos (y de Beethoven, obviamente) a la memoria de un país que echó los dientes democráticos con sus canciones, sonó como una declaración de principios. Miguel Ríos deja la música contento.
"Esta edad mía [tiene unos atléticos 66 años] es la del adiós", explicó sin síntomas de blues del autobús (tampoco faltó esa canción, con Manolo García) en la furgoneta de gira que renqueaba camino de su casa en las postrimerías de la Alhambra.

Con las velas de la fiesta aún humeando, el consuelo quedó en la letra de Rocanrol bumerang, que interpretaron asombrosamente Pereza.
"El rock es un bumerang, por eso siempre volverá".


Ahora ues toca a las hijas de aquellas madres que tanto amé.

Otra gala con clase para la inauguración del 58º Zinemaldia

Edurne Ormazabal y Eduardo Noriega presentaron la ceremonia - El festival arranca con sabor latino.
La última ceremonia de inauguración como director de Mikel Olaciregui tenía un sibilino mensaje de entrada y salida: las letras del inmenso rótulo del Zinemaldia se abrían y cerraban; el video de arranque jugaba con las puertas.
Cada vez que se abrían las letras, empujadas por bailarines, salía un famoso: Diego Luna y John Malkovich que representaban al ciclo Horizontes latinos , la camada joven de actores españoles asomaban (Quim Gutiérrez, Adriana Ugarte, Leticia Dolera, Belén López o Verónica Sánchez) para anunciar los diversos apartados del festival: vídeos rápidos, comentarios acertados.


Olivia Williams recoge en nombre de Roman Polanski el premio FIPRESCI por 'El escritor'.- JESÚS URIARTE

Las galas del Zinemaldia funcionan en su brevedad y sencillez, no sobrepasan los 45 minutos, los presentadores -la habitual Edurne Ormazabal y un estupendo Eduardo Noriega- fueron dando paso a los invitados, desde la primera, Olivia Williams, que recogió en nombre de Roman Polanski el premio FIPRESCI para El escritor como mejor filme de esta temporada según los críticos internacionales, al jurado de la sección Oficial, presidido por Goran Paskaljevic. Al final, el director de Chicogrande, Felipe Cazals, sus tres actores principales y el productor del filme comentaron su filme, con el que se inicia este Zinemaldia.

'Chicogrande', la última aventura del hombre leal a Pancho Villa

Hace 35 años, Felipe Cazals, el veterano director mexicano al que en su país llaman "el cineasta de la crueldad", preparó el rodaje de Chicogrande. El guión de Ricardo Garibay estaba listo para ser filmado, preparado para salir de un cajón que no se abrió. Ayer Chicogrande se estrenó en San Sebastián.

Entremedias, Cazals ha superado problemas de salud, dificultades en otros rodajes y ha levantado una complicada financiación para recuperar la historia de uno de esos personajes que salen en los pies de página de las enciclopedias.
Chicogrande era el lugarteniente de Pancho Villa, el más leal, el hombre que salió de la sierra de Chihuahua para buscar un médico que curara la pierna del héroe de la revolución, mientras los estadounidenses patrullaban por el Estado a la caza del rebelde.
Líder escondido en una montaña infranqueable, soldados norteamericanos que otean por el desierto y que acaban abandonando un país con las orejas gachas sin entender por qué les odian... Demasiados paralelismos como para no darse cuenta de que Chicogrande encontrará más fans en la actualidad que hace 35 años. "Obviamente que sí; es un referente a la actualidad", comentaba ayer Cazals, quien a sus 73 años mantiene intactos el ardor guerrero y las ganas de lucha social. "Cuando ocurrió el episodio de la herida de Villa, fue la tercera ocasión en que EE UU invadía México. Hablamos de 1917, de un episodio delirante, una invasión abrupta y sin sentido. "En la película, Chicogrande le espeta a un médico del ejército yanqui: 'Lo fácil es morir, lo difícil es vivir con dignidad".
Otro momento para que Cazals aproveche la mano tendida de la actualidad. "Tiene que ver con la lucha cultural que vivimos hoy en día. En México, la distribución de cine nacional es vergonzante.
El 96,4% de las pantallas se dedican a cine de Hollywood. Chicogrande se estrenó con resultado mediano en la capital, y con buenas entradas en la provincia. Necesito una semana para explicar los problemas que comprimen nuestra industria".

Menos se necesita para entender que Chicogrande, siendo un western inteligente, no acaba de agarrar al espectador por su laxitud. "Me gustan los westerns, porque en ellos la acción define al hombre. A Chicogrande le define su acción, la lealtad". En cambio, a la película bien le habría venido una sacudida que arreciara su fuerza. "Quería hablar sobre quién cree en el villismo y por qué razón.
Cuando alguien es despojado de sus derechos, cuando la justicia social no existe, es necesario el villismo", y esto según Cazals vale para 1917 y para 2010. "Hoy se ha perdido la virtud de cumplir con la palabra". Y Cazals es de los que cumplen.